写意人物画技法，国画中人物画的技法主要包括哪些

本文目录一览

1，国画中人物画的技法主要包括哪些
2，中国画写意人物画技法
3，中国写意人物画技法是什么样的
4，写意人物画的十大墨法解析
5，怎样画好写意人物
6，国画基础教程写意人物画技法
7，国画人物应该怎样画写意人物和工笔人物有什么区别画写意人物只

1，国画中人物画的技法主要包括哪些

国画的人物技法有很多，大概有白描画法、工笔重彩画法、写意画法三大类。具体技法介绍：白描画法：古代被称为白画，战国时期的帛画就采用白描的形式，唐朝时期的吴道子把白描线条发展的淋漓尽致，结构的粗细轻重富有变化，衣服的褶子富有动感和厚度感，使人物更加生动形象。明嘉庆年间又出现了十八描，是之前的画法加后来融入的一些画法结合形成的。工笔重彩画法：工笔重彩画法在色彩上比较厚重，造型又比较细致工整，多用来做装饰品。具体步骤是先用熟纸或者是绢起稿画出具体的人物形象，之后再勾线，人物画完整就开始进行分染底色，著色，罩色，提色。写意画法：是用笔先勾勒出大致的线，最后再进行渲染，墨色一层层逐渐加重，先画线和色面，保持整体结构的统一，写意画法比较突出作者的意境。注意事项：国画无论用哪一种技法，用墨都需要慎重，因为在生纸上作画，不能够改动。上色的时候也需要慎重，根据具体的人物明暗关系去表达人物的精神和状态。

国画中人物画的技法主要包括哪些

2，中国画写意人物画技法

中国画写意人物画技法写意人物画大致可分为写意线描、写意着色、大写意3类。写意线描是写意人物画的重要基础专业课，也是可独立运用的表现形式。写意线描，着重进行写意型人物画的观察方法、表现方法的最初训练，主要学习用笔课题，同时也研究用墨问题。写意着色，是写意人物画最常见的也是最常用的形式，是在写意线描学习的基础上进一步进行笔墨方法的训练，但重点应放在用色（包括颜料的性能、用色的技巧与艺术，色墨混用与对比、协调等）课题上。写意着色可从着色兼工带写入手，并逐渐放开用笔而进入一般着色意笔。着色方法也可先学淡彩着色再研究重彩的表现。大写意，是最大限度发挥写意人物画技法特性、相对难度较大的一种形式，一些传统的简笔、泼墨、泼彩、泼水等技法都可在大写意的大笔挥洒之中得到充分运用。 1。写意线描基础线描，是写生常用的一种技法，也是最简便的方法。这是一种单以粗细不同，刚柔相间、曲直有别、疏密相对、虚实相衬的线条来刻划形象的技法，也是国画技法中最古的一种。从西安半坡彩陶上就可以看到多变的线描鱼纹了，。拿这些生动的艺术形象和原始的鱼类化石来对照，可以说明这些鱼纹是具有现实主义和浪漫主义色彩的伟大创造。用自然科学的观点讲，线是面的边界，独立的线是不存在的，既使细如蛛丝的线、在显微镜下也是圆柱体。由于物各有体，有体就有面，有面就有线的感觉存在。先民们就是从这个视觉实践中发现了线、创造了线描技法。我们运用这种技法写生时，也要根据这个理论，从物体结构上找到线。这个线则是艺术的线，可粗可细，可宽可窄，既有造型的功能，也有抒情的功能，具有丰富的表现力，奠定了国画技术的基础。初学线描以折枝的大花头入手为好，用铅笔写生便于修改，再用墨线重勾定稿为好。用毛笔墨线重勾时，要注意用笔的变化，随花叶边缘的起伏而起伏，随其翻转而转折，随其结构安排笔的起讫，随其动势注意行笔的疾徐，随其不同质感注意用笔的轻重、顿挫。一般说，粗线宜于表现肥厚的东西，细线则有挺秀，质薄的感觉，直线坚，圆线柔，干笔枯，湿笔润，线的疏密也能表现出不同的空间，色彩感。一幅线描画稿，可以用匀称统一的线条，也可以用多种变化的线条构成。用墨方面也是一样，一幅白描画可用一致的墨色完成，也可浓浅兼施，求得多样统一。所有这些变化都由作者尊重感受自由调遣。熟练以后，顶好用墨笔直接写生，对象的形神、动势、质感等等，常常会启发我们运用笔墨的变化，创出新的技法，塑造出更生动的形象，这对写意画创作特别重要。写生不同于照像，可以添枝加叶、移花接木、去芜存菁，使形象更加完美。初学者顶好是就地取材，进行取舍或增益，不要事后加工，以免减弱画稿的生动性。 2。临摹方法半坡人创造了线描，我们也要不断地创造新技法。马克思说："人们自己创造自己的历史，但他们这种创造并不是随心所欲，并不是由他们自己已选定的情况下进行的，是在那些已直接存在着的，既有的，从过去承继下来的情况下进行的。"为了创造社会主义时代的新国画，我们必须批判地继承已有的创造成果。继不继承，确实有文野、粗细、快慢、高低之分。知识源于直接经验。临摹是化间接经验为直接经验的有效方法。临摹方法：一是对临，一是背临。对临主要用于工笔画、工笔画的工艺性强，可以笔笔求似。也可以用于写意画的学习，只须领略大意，不必笔笔求似，因为写意画中含有一定的偶然效果，既使原作者，重画原稿也不可能完全一样的。背临的程序如下：首先是选好临本。一种是就自己喜爱的画风，选自己仰慕的画家，特别喜爱的作品有利于自己画风的发展。一种是根据自己创作需要、丰富表现技法选择临本的。一种是为纠正自己的用笔习气选择临本的。不管是从哪个目标出发选择临本，都以笔迹清晰的原作为好，至少是质量较好的印本。其次是读画。仔细观赏临本，领略画意。为此，也要阅读有关作者生平的材料，特别是与此画有关的评论。注意画面的题跋、款识、印章都有助于画意的理解。三是技法分析。领略画意之后，详审技法特点，推敲画面效果是如何取得的，以及作画工序，先画什么，后画什么，何处起笔等。比如郑板桥学习徐青藤《雪竹图》所作分析："纯以瘦笔破笔燥笔断笔为之，绝不类竹；然后以淡墨钩染而出，枝间叶上、罔非积雪，竹之合体，在隐跃间矣。"便是一个很好的范例。根据技法分析再来斟酌原作使用的器材，主要是：画本是纸是绢，是生纸还是熟纸；作画用笔类别、是硬毫、软毫，还是兼毫；再是用水的质量，是自然水，还是含胶的水。工具和材料是技法的物质基础，如果工具、材料不对头，就很难临得原作的效果，学到其中技法。斟酌好了以后，至少要画好质量近似的东西。写意画创作要成竹在胸，临摹写意画则要成画在胸才能落墨。根据自己的需要，可以整幅通临全画，也可以局部节临。临摹完成后再对照原本校对一下，分析成败，总结经验。学时要求似，用时则要取长舍短，融汇于我。清人袁枚论诗说："平居有古人而学力方深，落笔无古人而精神始出"。值得很好的玩味。 3。写意画着色和大写意写意着色除应继续写意线描研究用笔外，主要研究方向转向用墨、用色、色墨结合的课题之中。中国画中的笔与墨是不可分割的一个整体中的两个方面。笔中有墨，墨中见笔，是传统画对笔墨的基本要求，各种用笔中都脱不开墨色的变化。变化而有韵味却是不易之事，它是随着实践与涵养的提高而提高的。有墨而无笔，则墨中无骨，而无骨之墨易烂易平，从而失去表现力与中国画特殊之笔力感。因此前面所讲到用笔问题实际上同时是离不开用墨课题的。写意着色人物画，尽管将主题转入用墨与用色，实际也是进一步研究用笔的过程。色与墨在艺术上有许多共同的要求，用墨如用色，墨分五彩，而用色需见笔，色中见骨，是用墨用色的传统要求。中国画在形式感上的重要特征是以线为主体的各种不同墨与色的笔触有机、和谐而有韵律感的组合。当然作为用色它还有其他多种艺术表现的要求，而现代写意人物画中对墨与色中见骨的概念又在扩大与延伸，如追求肌理效果等，更多地丰富与强化了墨与色的笔触感。墨色大致有焦、重、浓、淡、清之分，有枯润之变，有破墨、积墨、泼墨、宿墨、胶墨之法。墨之韵味与节奏产生淡雅、沉厚、丰富、淋漓、滋润等各种不同艺术趣味，并以此表现物象的某些形体与质感，意境与情趣。用墨的诀窍是在变化中求统一，这变化可以是各种墨色之间的对比，也可以是墨色本身的韵律感、丰富感、肌理感，因而用墨一般有两种倾向，一是对比中求统一，另一是统一里求变化。前者追求丰富而鲜明，后者则应和谐而不单调。墨法中最常用的是破墨法。由于生宣纸的渗化性与排斥性，水的含量以及落笔的先后不同，可使浓淡之墨在交融或重叠时产生复杂的艺术趣味。具体讲可分浓淡互破、枯润互破、水墨互破等，而这其间含水量、速度、落笔相隔之时间、纸性与墨质、笔类与笔型都起着不同程度的作用。如同样的含墨含水量，由于下笔速度快慢不同，会引起宣纸与笔接触的瞬间的长短，这样在宣纸上反映的浓淡及渗化度会因所吸的墨与水多少而不同。如果两笔之间相隔时间长短不一，也会因先落之笔痕干湿度以及渗化范围大小不一而与后落之笔的交融中产生不同效果。羊毫与狼毫因吸水放水量不一样，作破墨效果润枯度也不一样。鲜墨与宿墨、胶墨，用破墨法都会产生极不同的效果。鲜墨清醒华滋，宿墨古朴而浑厚，胶墨凝重而生涩。纸质优劣或渗化性不同，用同样之水分与墨色，效果也会大异。油烟墨、书画墨汁、松烟墨、墨胶以及广告墨色都会在宣纸上产生不同趣味，而这些不同性质的墨，会因不同质地的纸产生大相径庭的效果。因此墨法的掌握需要的是实践与个人经验的不断积累。积墨法，山水画中用得较多。所谓积墨是指各种不同墨色、不同笔触的不断交错重叠而产生的特殊艺术效果，给人以浑朴、丰富、厚实之感。积累时每一层次的笔触的复叠，一般在前一层次的笔触干时才进行，而笔触的相叠必须既具形式感又能表现物象。积墨时，湿笔比渴笔更难，因为湿笔之积累，易臃肿呆俗，不易追求到苍郁淋漓的效果；而渴笔不但容易疏松灵秀，如有败笔时，也容易补救。渴笔之积累应防止松散纤弱。湿渴混积是最常用的技法，搞好了可出现浑、秀并呈之效果。积墨法在人物画中一般用在画毛发，粗质感的物件与衣着，老人的皮肤，以及表现某些对比及气氛中的特殊效果等。宿墨之法。宿墨是因室温偏热，而使所研的新鲜之墨胶与墨发酵分离而成的，这种变质之墨可能在偶然中被画家发现其所能产生特殊艺术效果。宿墨因胶部分或全部发酵、墨粒游离引起沉淀，这样便会在宣纸上时凝时化，而且笔痕清晰，不易渗化或覆盖。宿墨不如鲜墨之墨色有光泽，但却乌黑而浓郁，作画时，往往因其各种笔痕不易相融重叠，以及部分未发酵之墨的偶发性的渗化而形成一种特有的奇趣，从而使宿墨法自成一格，并被历代画家所青睐。泼墨法，是指随笔将多量的不匀之墨水挥泼于宣纸上的作画方法。这种挥泼而成的笔痕、水痕，有一种自然感与力度，但有很大的偶然性与随意性，是作者有意与无意的产物，容易出现既在情理之中又在意料之外的效果。泼墨法往往和大写意联系在一起，适用于追求情趣、感觉以及在造型上无需很严格的题材与物象。如画衣着宽松不定型的人物，画活动中或舞蹈中的简笔型人物，或画处在风、雨、雾、夜中的人物，都有利于泼墨法的发挥。指墨法，是以手指为笔作画的一种特殊表现手法。早在唐代

中国画写意人物画技法

3，中国写意人物画技法是什么样的

因性别与年龄的不同，画法也略有不同。一般的画法是头部可用浓墨，也可用淡墨，也可浓淡并用，这要依据具体人物与环境而定。在勾勒面部与五官时，可按结构，也可略微结合一定的明暗关系来处理。勾画后，可稍以淡墨渲染，如眼角、眼眶、鼻底、嘴角、唇中线、下巴等处，渲染以少为好，不要留笔触。人物的手、足较为难画，尤其手更难一些，画时只要抓住指尖、指中关节及基部关节等处的基本形，手指就可画好。同时注意性别、年龄、质感的不同。如女性的手，柔软而有弹性，男性的有力、沉厚。脚的画法，基本上同手的画法一样，但用笔可比手更粗实些。衣服画法，浅色衣服，用勾勒法。深色衣服，用没骨泼墨法。用勾勒法时，较薄织物，用线可略细些，坚挺些；较厚织物，用线较粗壮些。这样可表现出不同质感。要注意表现结构的衣纹。不是结构衣纹，可大量省略，同时要注意衣纹的组合与疏密关系。着色，以墨为主，以色为辅。人物画的色彩，基本上用浓淡的固有色。女性以朱磦为主，男性以赭石为主，面色白些的可适当调粉。写意人物着色，一般情况下，水分宜大些，色彩淋漓渗化，使色墨融为一体。

夹宣化的厉害，只能说这纸头不太好，一般生宣我都用红星宣，质量比较好。如果自己水分掌握的不太好的话还是别用了，你买几张夹宣试试。别买一刀，买个5张就可以了。或者你在买来的宣纸上刷层矾水

中国写意人物画技法是什么样的

4，写意人物画的十大墨法解析

一、意笔人物画的渍墨法墨法解析渍墨之法，起于清初“四王”山水画，是以枯笔皴擦，干后再用淡墨饱笔浸之，中有笔痕而外有墨晕。枯笔皴擦少滋润，加墨溃染，就可使墨色干枯中有秀润之美（图116)。图116：渍墨法示意图先以枯笔绂擦，干后以饱笔湿墨渍染。渍墨法与湿破干的区别在于：渍墨法是在用干笔皴擦后渍；而湿破干是在干枯之笔未干时以湿笔破之。渍墨一遍不够可再染数遍，力求墨晕厚重而不单薄。二、意笔人物画的积墨法墨法解析积墨法是用同一种墨色或不同墨色层层重叠积加之法。明代唐志契说：“画家要积墨水，墨水或浓或淡，或先淡后浓，或先浓后淡，有能积于绢素之上，盎然溢然，冉冉欲坠，方烟润不涩，深厚不薄，此在熟后自得之。” 用积墨法吋笔法要松灵，要能见笔痕，笔与笔之间要留有空隙，不然会感到“腻”，有黑气。每积一遍墨，应“前一遍墨干之后再加上去。积墨所用的墨色究淡不宜浓，淡墨可积加数遍而仍见笔墨透明。浓墨积加，遍数过多，墨块的层次没有变化，最终成漆黑一团，失去积墨意义。积墨法一般用淡墨湿笔层层积加，求墨韵华滋浑厚（图135)；但也可用淡墨干笔层层加厚，求笔笔重释交错，构成枯中有润的笔墨效果（图136)。干笔积墨，用笔尖蘸墨，笔行纸上，渐次有浓淡笔迹。笔法可用点、皴、擦诸法，多见于现代人物画中，比湿笔积墨更显古厚，更有力度（图137)。图135：积墨法示意图一淡笔湿墨积墨法：左，遍；右，积墨三遍。图136：积墨法示意图二干笔积墨法图137：周思聪《戴月归》此图先以沉稳之笔连勾带擦画出基本形，再以淡宿墨层层枳墨。注意枳墨时也要见笔，也有浓淡变化，墨淡而不失古厚。三、意笔人物画的冲水法墨法解析冲水法是在墨线勾好后，将干未干时以清水或淡墨水大而积冲染，使未干之墨化开而已干的墨保留住原来笔形的一种方法（图132）。有的笔中间部分被水冲开而笔的轮廓保留，形成特有的墨色效果。此法包要用于大幅作品，以求整体气韵。它与水破墨的区别在于：水破墨面积相对小，有的是局部的；而冲水法面积较大，有的是整幅用水冲染（图133）。图132：冲水法示意图图133：冯远《恶之华》整幅用浓墨画出形体结构，然后以清水整幅冲染，自然形成斑脱，状水相互渗化，构成画面的神秘气氛。四、意笔人物画的没骨法墨法解析没骨法是不勾线，直接画较大面积的黑块，兼以点、皴擦，直接表现形体的方法。笔法常以大笔侧卧出之，笔尖萨浓墨，笔根变淡，笔迹有自然的浓淡变化（图128）。图128：没骨法示意图一没骨法应每一笔有浓淡变化，渐次过波要自然。没骨法笔与笔的相接应在笔根处，这样能笔笔相连而不失整体和谐；笔与笔不能接在笔尖处，这样既会有损笔形，又使墨色层次零乱。下笔之前，应先设计一下笔势的方向、墨块面积的大小、行笔顺序，力求一气呵成（图129)。图129：没骨法不意图二人物上衣先设计一下笔法，然后用笔由浓至淡一气呵成。没骨法原为花鸟画中的技法，清代任伯年始以没骨法画人物。此法最好用半生熟纸或老纸，因其性温和，渗化慢，用笔时能沉着厚健；渗化太快的新生宣或棉料纸笔形难以把握。五、意笔人物画的宿墨法墨法解析宿墨是隔宿的干墨加水形成墨水相离、含行渣滓的墨。后人也介以残剩墨锭加水浸泡、使其脱胶而成：也有把墨锭放入笼里蒸，使其成粉状，再加水调制而成。在生宣纸上，宿墨点画的周围有墨晕渗出，形成特有的情趣。明清以来打不少画家喜用此种墨法（图124)。宿墨色泽较灰，没有墨光，笔迹明显且墨韵效果好，现代人物画常衍墨、新墨并用。宿墨先画，再用新墨复加。特别在人幅的创作中，宿墨是常用的方法。这样的画面笔法清丽而又墨气淋漓，效果甚佳。有的把宿墨和新墨并置在画面上形成对比，产生微妙的趣味（图125)。水粉黑也有宿墨的效果。水粉黑与宿墨不同之处在于：墨色为透明色，没有附着力；水粉黑粉质较重，覆盖力强，但画厚了会不见笔痕，弄不好会成平板一块。而现代人物画常因画面构成需要，要求介一块平面的黑块，水粉黑便成了比较理想的材料（图126）。有时对画面某些局部不理想的地方，可以用水粉黑覆盖，加以修缮。六、意笔人物画的泼墨法墨法解析此法始于唐代王洽，传其每作图画，饮酒至酣，解衣，先以墨泼在绢幛上，以其形似，或为山石，或为林壑，自然天成。今离迹不得而见，不能谬说。现今泼墨法，主要是指以大笔阔迹画于绢索上，往往整纸墨色晕化开来，看似泼墨，实为用笔画成（图122)。在人物画中，泼墨法是较准掌握的，因人物有形的约束，控制了用笔的自由度。在求水墨淋漓的同时，还得符合造型要求。泼墨法行笔时不宜过快，应沉着稳重，笔形再大也应有所起讫，不能乱涂一遍。否则，会混成一团，难以收拾。图122：泼墨法示意图非墨泼成实为大笔阔笔而为之。七、意笔人物画的焦墨法墨法解析焦墨是比浓墨还重的一种墨，砚池新研出的墨不加水便是焦墨。焦墨法多用枯笔，以用笔的枯湿变化来体现墨的层次。古人说：“干裂秋风，润含春雨。”此论道出焦墨法之理，即视形若枯燥，而内质却能意极华滋（图119）。焦墨行笔不能无笔痕，要笔法清晰。笔要留得住，不能浮滑。否则墨韵枯槁，生趣全无，乃为死墨（图120)。图119：焦墨法示意图应有干杖秋风而润含春雨之感。图120：汪荣强《人物写生》此图全幅以焦墨渴笔画成，头、手用笔要圆幼，乃求形体准确。衣服多以阔笔出之，与圆劲之笔形成节奏对比。八、意笔人物画的破墨法墨法解析破墨法是将两种不同色度水量的墨在未干时复加的方法。主要是破开墨色的平板状态，增加墨色的丰富程度。有时是破墨法可修改一不理想的墨块。唐?张彦远在《历代名画记》中记载王维、张璪曾用此法作过山水，可见破墨法在中国水墨画中由来已久。传统的破墨法主要有两种，一是以淡墨破浓墨，二是以浓墨破淡墨。现代水墨画中，还有干破湿、湿破干、水破墨、墨破色等方法（图108、图109、图110、图111、图112)。破墨法要注意墨的浓淡，两种墨色不能太近，否则会失去破墨的效果。破墨时，笔中的水量要适中，水量过多，会使墨色过分渗化而成糊块，水分过少，则墨的浓淡干湿各白孤立，不能相互渗化。如淡破浓时，笔中水分过少，则无法破开浓墨色层次就分不开（图113、图114、图115)。图108：湿破干先以干墨铍擦，复以湿墨破之。图109：干破湿先画湿墨，未干时以干墨破之。图110：水破墨先画浓墨，未干时以清水破之。图111：浓破淡先画淡墨，未干时以浓墨破之。图112：淡破浓先画浓墨，复以淡墨破之。九、意笔人物画的浓墨法墨法解析浓墨、就是墨色较重的墨。砚池中研好的墨，稍加清水即成浓墨。浓墨往往出现在一幅水墨画中醒目的地方，用浓墨画的点画块有沉稳厚实之感。注意：浓墨不能单一，要求有稍淡的浓墨呼应（图103、图104)。图103：浓墨法示意图浓墨法要笔笔清晰可辨，浓而不浊。不能漆黑一块，成为死墨。图104：清?倪田《钟馗图》画中人物的帽子、袖口用浓墨勾勒，帽子以浓墨块补足，雨伞和驴都用阔笔浓墨，笔迹清晰自然。十、意笔人物画的淡墨法墨法解析淡墨，是墨色中偏灰色调的一类。淡到何种程度,没有一定的界定，根据需要自己把握（图106)。淡墨法要求淡而不薄，薄中见厚。要达此境界、全在用笔。笔力沉厚，墨色再淡也不显单薄。淡墨法追求一种空灵的韵致，如雨夜昏朦，烟晨隐约。山水画中常层层积染，不求笔迹；人物画中则多笔笔复加.求笔迹的层次，表现衣饰的质感（图107)。图106：淡墨法示意图淡墨要见笔，方能薄中见厚。图107：清?任伯年《刘海戏蟾图》画中人物多以淡墨法画成，上衣笔法清丽，行笔稳健，墨色清淡而又古厚。

5，怎样画好写意人物

多画速写，熟知笔墨纸。

牡丹的画法牡丹是大花头的花卉，它品种繁多，色彩丰富，娇艳动人，深受国人的喜爱，有“国色天香”美誉，往往被人民誉为“国花”。牡丹是我国特有的花卉，也是中国花鸟画中最常见的表现题材。画牡丹时要注意将它和芍药分开，虽然牡丹和芍药在花头的外形上区别不是太明显，但它们的品质不同：牡丹是木本，芍药是多年生草本，在叶片的形状上也有区别，画是要将它们的特征表现出来。 a．花头的画法：用中号以上京提笔(羊毫配狼毫的兼毫笔)饱蘸大红色，在调色盘上调和，使颜色向笔根渗透，再用笔尖蘸胭脂色，稍作调和后即在画面上点画。传统的点牡丹方法是一笔紧挨一笔，整个花头是由一笔笔由浓到淡的色点组成。花头完成后，乘颜色尚未干时，在花心和花瓣的交接处用胭脂加墨的重色进行调整，使花瓣的交接清晰生动。待颜色七、八成干时，用石青在花蕊处点上颜色，再用藤黄调白粉点花蕊。点花蕊时要按三笔一组的组织结构进行点画，千万不能无组织地随意点画。 b．牡丹花朵画法：花朵和花头的画法相近，不同之处在于花朵有花萼和托叶，画时一定要从花朵的整体考虑，使花萼和托叶成为花头的有机整体。 c．牡丹叶片的画法：用中号以上京提笔蘸花青加藤黄的淡绿色，在调色碟上调和，再用笔尖蘸墨，稍稍糅合一下，使墨色和笔上原有的颜色融合，用侧锋干净利落地在画面上画上叶片。画叶片要成组地进行，以三笔为一组由规律地点画，这样画出的叶片就不会杂乱无章。写意画的魅力不仅表现在生动的笔触，活泼的形象，还体现在滋润的色彩和淋漓的笔墨上，所以画叶片时要掌握用水和用色的技巧。起笔时色墨要饱和，下笔要迅疾，用一笔颜色画一片叶片，这样从起笔到收笔，自然就形成了干湿浓淡的变化。叶片色墨点画完成后，待其晾至七、八成干时，用较重的墨（色）勾勒叶脉。勾叶脉是一个重要的步骤，叶片的转折向背以及组织结构都是由它决定，因此要从画面的整体结构出发进行调整，不能只从局部考虑。 d．牡丹枝干的画法：在一般情况下，枝干在画面上与花头和叶片相比，所占比重较少，但是在描绘时千万不可低估它的重要性，更不能随意点画，要了解它的结构规律和生长特征，画时才能表现出主干和嫩叶的不同质感。其实，画牡丹，国画讲究的主要是层次感，特别是花朵！！

6，国画基础教程写意人物画技法

国画基础教程：写意人物画技法中国人物画的发展历史悠久。早在汉魏时期,已经出现了很多著名的人物画家，如曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇、卫协等。顾恺之在《论画》一文中提出了“ 迁想妙得”“以形写神”等观点；谢赫在《画品》一文中提出了著名的“六法论”，这是中国最早的绘画理论。中国人物画从形式风格和技法特点的发展历史看，自魏晋南北朝始大致可以分为写意和工笔两大系统：以顾恺之、陆探微为代表的工细严密的画风，称之为“密体”；以张僧繇代表的简练概括的画风，称之为“疏体”。唐代是人物画发展的鼎盛时期，画家人材辈出、风格各异。其中吴道子被后世尊为“画圣”,他突破了当时工细密描重彩积染的一般画风,创造了水墨淡彩及白描的新形式，应该是写意画的先驱。中国写意人物画的发展相对比较晚熟，它出现于工笔人物画已经成熟后的两宋时期，由石恪、梁楷将书法行草的笔法入画，以其天才的创造表现的减笔人物画发展而来的。应关注者要求，本素材简介介绍一下写意人物画的基本技法。一、写意人物画的墨法解析 1、笔墨是中国画最基本的造型手段。墨无笔不立，笔无墨则死，笔主气，墨显韵。 2、好的用墨要做到“丰、厚、清、活” 3、童中焘先生把墨在画面上所产生的痕迹分成清、润、沉、和、洁五法清者，用笔用墨，笔路清澈，层层相积，无浑浊相；润者，滋润，虽渴亦润；沉者，骨气沉厚，沉则厚，不浮涨；和者，不寡，墨色有变化，相济相成，浑然和洽；活者；自然一气。和与活，相近又有区别，活更具有生命气息的意韵。 1、浓墨法黑色较重的墨浓墨法要笔笔清晰可辨,浓而不浊。不能漆黑一块,成为死墨。↓↓↓ 裤子大块的浓墨与头和领口以下的浓墨产生呼应关系,画中浓墨画成的点、画、块既有节奏对比又浑然一体↓↓↓ 2、淡墨法墨色中偏灰色调的一类淡墨要见笔，方能薄中见厚↓↓↓ 淡墨法追求一种空灵的韵致，山水画常层层积染，不求笔迹；人物画中多笔笔复加，求笔迹的层次，表现衣饰的质感↓↓↓ 3、破墨法两种不同色度、不同水量的墨在未干时复加的方法↓↓↓ 4、渍墨法先以枯笔皴擦，干后再用淡墨饱笔浸之，中有笔痕而外有墨晕↓↓↓ 5、焦墨法墨不加水便是焦墨，多用枯笔，焦墨行笔不能无笔痕，要笔法清淅，笔要留得住，不能浮滑。否则墨韵枯槁，生趣全无，乃为死墨。↓↓↓ 以焦墨渴笔来表现渔民衣饰的质地，行笔稳健，笔力沉厚。下身衣服以色当墨，枯笔皴擦，复以干笔焦墨破之，墨彩相互交融，浑然一体。↓↓↓ 6、泼墨法指以大笔阔迹画于绢素上，往往整纸墨色晕化开来，看似婆墨，实为用笔画成。↓↓↓ 7、宿墨法是隔夜的干墨加水形成墨水相离，含有渣滓的墨。↓↓↓ 画中人物及背景皆以宿墨画成，笔迹清晰，反复勾染，水气淋漓，画面空灵而不失厚重，苍茫中透着透润之气。↓↓↓ 8、没骨法是不勾线,直接画较大面积的黑块,兼以皴擦,直接表现形体的方法。↓↓↓ 以大笔侧卧出之，笔尖蘸浓墨，笔根变淡，笔迹有自然的浓淡变化。↓↓↓ 9、冲水法是墨线勾好后，将干未干是以清水或淡墨水大面积冲染，使未干之墨化开而已干的墨保留住原来笔形的一种方法。↓↓↓ 10、积墨法是用同一种墨色或不同墨色层层重叠积加之法。用积墨法时，笔法要松灵，要能见笔痕，笔与笔之间要留有空隙，不然用感到腻有黑气。↓↓↓ 二、写意人物画的笔法解析写意人物画用笔内容包括起笔、收笔、运锋、转折、提按等方面，其中体现在写意人物画的整体视觉效果有笔气、笔力、笔速、和笔势。↓↓↓ 1.笔气笔气是行笔时表现出来的精神气质. 人与人之间的精神气质不同,展现出来的笔气也有所不同↓↓↓ 王子武行笔沉着稳健,每一笔都凝神气静,且枯笔较多,笔气冷峻,画面气氛肃然↓↓↓ 任伯年行笔如风驰电掣,气息贯通,使画面产生灵动之感↓↓↓ 齐白石用笔气格高远饱满,沉稳厚重,画面天趣自然↓↓↓ 2.笔力笔力就是用笔的力量感. 有力量感的线条坚硬而有韧性,有形式美感。笔力的体现是通过运笔的提按来实现的。提，可使线条细劲，易流畅。按，可使点画粗壮，较凝重。↓↓↓ 一幅人物笔力的把握，不可能预先设计好，而是画家瞬间情性所致，随感觉心境的变化而变化，是一种自然流露。↓↓↓ 3、笔速笔速是行笔快慢的节奏任伯年用笔一般都较快。此图以尖笔露锋，随意勾画，如行云流水。↓↓↓ 齐白石用笔一般较慢。此图用笔力透纸背，沉稳厚重，而不失洒脱之态。↓↓↓ 王子武用笔凝重、枯涩，画面给人以静的感觉↓↓↓ 黄胄用笔迅疾如飞，画面给人有动的感觉，气势逼人↓↓↓ 4、笔势笔势是指点线运行的势态、方向感。↓↓↓ 笔势应该有统一的视觉效果，纵然有千笔万笔，看上去浑然一体↓↓↓ 女娲炼石图↓↓↓ 衣纹繁密,长短错落,繁而不乱, 画中每根线条都有其态势方向↓↓↓ 三、写意人物画的设色（一）设色方法 1、吸收中国传统壁画的设色方法，以笔平涂； 2、用西方油画、水彩画的观察方法，淡彩渲染； 3、传统写意花鸟画中点厾法。（二）设色特征 1、写意人物画仍是以水墨为主体，设色是对水墨的补充； 2、写意人物画设色以淡彩平涂为主； 3、设色方法同墨法一样要有笔。（三）具体画法 1、平涂设色法此法是根据传统壁画和工笔淡彩的方法，以笔蘸调匀了颜色，平平地点画在绢素上。↓↓↓ 2、淡染设色法此法嗵取了一些水彩色调，用植物质颜色淡淡地染上，一般一遍即可。↓↓↓ 3、渍染设色法是以淡彩反复渲染的方法，也是中国画常用的方法，用墨用色皆可。↓↓↓ 此图以一人物头像为主体，面部设色先以枯笔皴擦，再以淡色层层渍染。画面色墨交融，古厚而又秀润淋漓。↓↓↓ 4、皴擦设色法↓↓↓ 5、点厾设色法是以写意花鸟画中的色彩点厾法来表现人物的体积结构。用笔蘸墨色时，笔尖与笔根要有浓淡变化，以便画下去一笔便见浓淡。↓↓↓ 人物面部先以淡赭石点，再以清水晕化衔接。黄衣服用阔笔点。↓↓↓ 6、泼彩法是以大笔阔笔（有时用刷子代笔）染色，色块的面积一般较大，主要是用色块来烘托画面气氛，产生有对比的强烈视觉效果，其用笔的方法与泼墨法相同。 7、没骨设色法人物不用笔墨勾画，直接用色画出人物的形体结构，用笔方式与没骨法相同。↓↓↓ 8、喷染设色法是因为墨稿画的人物形体很充分，惟恐上色会破坏笔墨的统一效果，故面将色用喷管喷上峭求见笔，只需色相。↓↓↓ 9、色彩背染法生宣纸渗化，色墨在正反两面皆能视为最后墨色效果。↓↓↓ 10、色彩罩染法多用极淡的颜色，待画面似干非干时，通体渲染。有些地方如少女的脸，可用极稀的白粉罩染，使皮肤的颜色显得妖嫩。↓↓↓

7，国画人物应该怎样画写意人物和工笔人物有什么区别画写意人物只

工笔，就是运用工整、细致、缜密的技法来描绘对象。工笔又分为工笔白描和工笔重彩两类。工笔白描就是完全用墨的线条来描绘对象，不涂颜色。白描本来大抵是用来打草稿的，宋代画家李公麟把它发展成独立的画种，他的白描如行云流水，变化无穷丰富，有很强的表现力。他画的《五马图》，人和马都用单线勾出，比例准确，肌肉骨骼的结构清楚，甚至马的毛色所具有的光泽也细致地表现出来，动态极为生动，是古代第一流的白描作品。工笔重彩，就是指工整细密和敷设重色的中国画。在中国绘画的早期，工笔重彩占有主要的地位。湖南长沙马王堆汉墓发现的帛画、都是道地的工笔重彩，特别是轪妃墓的T形“非衣”，构图巧妙，线描精细，设色绚丽，显示了当时工笔重彩达到了高度的成就。古代绘画普遍使用丹砂和青绿之类的重彩颜料，因此称绘画为“丹青”，由此可见工笔重彩在古代绘画中的重要地位了。写意画是与工笔画相对而言的一种画法。它要求用粗放、简练的笔墨，画出对象的形神，来表达作者的意境。据传唐代的时候，玄宗命令画家李思训和吴道子，一起在大同殿描绘嘉陵江的山水。李思训是擅长工笔重彩的，他用了几个月的工夫完成这幅壁画。吴道子则在一天之内就画成三万余里的嘉陵山水，这可以想象，他不可能用工笔重彩的技法来画，一定是比较粗放、简练的。这说明那时的绘画已经有了工笔、写意的区别了。到了宋代，苏轼提出“士人画”，主张画画“不求形似”，而应写情寄意，以表达作者主观的思想感情。他留下的绘画作品只有一幅《枯木图》，画一株枯树、一块顽石，石后露出一、二枝竹子，树下几根细草。这幅画抒发他政治上不得意的思想感情，但大书法家却给以极高的评价，说枝干“虬屈无端倪”，石“亦怪怪奇奇，如其胸中蟠郁也”。元代以后，笔法简练、造型生动、酣畅淋漓、讲究意趣的写意画大盛。这样，写意画就同遵守传统、恪守法则的工笔画形成了风格迥异的两大派，长期地在画坛上争相辉映，代代地相传下来。

画法：在这实在没法说。从用笔用墨开始学起。不过您有素描的功底，在造型方面就好办的多。画一定不可死板。构图动须相应。密不透风，疏可跑马。但画面要追求平衡。用墨注重变化（浓淡），线条注重变化。具体的写意与工笔又不相同。复杂问题简单说，先说写意：传统的写意注重注重“神似”，是一种感觉。如《泼墨仙人》。笔法飘逸。灵动。一旦下笔，不可有失。现代的写意人物，注重了西方印象画派的一些观念，在神似的基础上又加以了写实。如王国新的《三国》系列。再说工笔，那分类就多了，代表性的如《簪花仕女图》，《八十一神仙卷》等，与写意比较而言，笔法上较为“规矩”。不像写意笔法多，如中锋，侧峰，逆峰，点染，勾皴等等。线条注重流畅，活泼，不可死板。要点在于接线。染色方面多层渲染，以求灵动之感。

写意是用色彩和无形的线条构造人物可以观察人细微的神情；工笔是用线条体现人物的精神，明显体现一个人的书法功底！呵呵，我就是这样理解的！

国画和西画在技法体系上的差别，主要是线和面。国画是以线为主塑造形体，而西画是以面为主塑造形体。所以二者在空间关系的处理上有着不同的方法。相较来看，西画的空间表达可能更具体，而国画是通过线的轻重、浓淡、松紧和前后叠加、穿插的顺序来体现对象的空间感。

国画画的是韵味和神似、墨色和色彩变化丰富。追求意境。工笔就是主要以细反复着色。比较写实一点。